Après que Carcassi eût séjourné en Italie en 1836, il revint à Paris pour y enseigner. C'est là qu'il publia la plupart de ses compositions. Il arrêta sa carrière de concerts en 1840 et mourût à Paris le 16 janvier 1853.

L'œuvre de Carcassi est bien caractéristique de la musique pour guitare du début du 19^ème siècle, mais elle se distingue par ses grandes qualités mélodiques. Carcassi a exploré des effets sonores nouveaux et variés, il a utilisé certains thèmes romantiques et a composé nombre de pièces très exigeantes. Ses œuvres les plus connues sont sa Méthode (opus 59) et ses Études(opus 60). Il a écrit presque 100 œuvres. 

Grâce à son enseignement et à ses concerts, la guitare fut admise à part entière dans la musique au début du 19^ème siècle, principalement à Paris où Carulli s'était installé en 1808. Jusqu'à sa mort, le 14 février 1841 il vécut à Paris. Malgré l'arrivée d'autres guitaristes concertistes et compositeurs venant d'Italie et d'Espagne, le succès de Carulli dans la haute société française ne faiblit jamais.

Carulli fut un compositeur prolifique! Il a écrit plus de 400 œuvres. Beaucoup de ses pièces pour guitare sont accompagnées par le piano. D'autres unissent la guitare à la flûte, au violon, au chant ou à l'orchestre (comme son Concerto opus 8). 

Si ses œuvre sont d'une facture plutôt traditionnelle, elles sont remarquables par leurs qualités artistiques et techniques. Sa fameuse Méthode (opus 27) de 1810 est toujours considérée comme une des plus efficaces.

Bien que ses concerts comme guitariste aient été bien accueillis et qu'il eut un certain succès comme compositeur, il se joignit souvent à d'autres grands musiciens pour des concerts de musique de chambre. Il participa même le 8 décembre 1813 (comme violoncelliste sans doute) à la toute première exécution de la 8^ème symphonie de Beethoven. Il quitta Vienne en 1819 pour Trieste, Venise, Rome et finalement Naples, où il mourut le 8 mai 1829.

Les compositions pour guitare de Giuliani (plus de 150) comptent pour beaucoup dans le répertoire du début du 19^ème siècle. Elles démontrent la ferveur nouvelle pour la guitare dans l'Europe de cette époque. Même si ses œuvres sont souvent d'une forme conventionnelle, elles font preuve d'une certaine vitalité à la fois mélodique et harmonique. Ses œuvres les plus importantes sont les Concertos opus 30 et 36 pour guitare et orchestre, la série des Fantasias sur des thèmes de Rossini (opus 119 à 124) et les Études souvent jouées.

Au tournant du siècle il trouve un emploi stable de musicien grâce à l'intervention de la Duchesse d'Alba. Quand l'armée française envahit l'Espagne en 1808 Sor démontra son patriotisme par des compositions nationalistes, mais quand l'Espagne fut vaincue, il se retrouva à un poste administratif dans le gouvernement français. Quand les espagnols chassèrent finalement les français de leur pays, Sor, comme beaucoup d'autres, fut contraint de quitter l'Espagne sans retour. Il s'installa à Paris en 1813 et à l'exception des années 1815 à 1823 vécues à Londres, il y passa le reste de sa vie. Ses récitals étaient très demandés partout en Europe et jusqu'en Russie, mais il abandonna les tournées en 1827 pour ses consacrer à la composition.

Les œuvres de Sor pour la guitare font partie du répertoire moderne de l'instrument. A l'opposé de beaucoup de compositeurs de son temps, Sor cherche autant l'expression musicale que la qualité technique. Ses pièces utilisent, comme chez Beethoven, Schubert ou Haydn, tous les procédés mélodiques, un contrepoint complexe, et souvent des modulations et une harmonie audacieuses. On a comparé ses œuvres pour guitare solo aux grandes symphonies pour orchestre. Sor a écrit une centaine d'études pour guitare, et plusieurs recueils de Divertimenti mais sa pièce la plus populaire est son très spirituel mais difficile opus 9 Thème et Variations sur la Flûte enchantée de Mozart.

En 1842, il rencontre la pianiste Joséphine Plantyn à Dresde. Elle était à la recherche d'une salle de concert et Mertz, qui en avait trouvé une, lui avait été recommandé. Suite à cette rencontre, ils poursuivent ensemble leur tournée, chaperonnés par la sœur de Joséphine.

Une soirée qu'ils devaient donner au Gewandhaus de Leipzig est annulée, déjà pour des problèmes de santé du guitariste. Le retour vers Vienne comporte une étape particulière, celle de leur mariage à Prague le 14 décembre 1842.

Le couple, installé à Vienne, partage son temps entre l'enseignement et les concerts. L'intérêt du public pour la guitare n'est malheureusement plus celui des décennies précédentes et malgré son grand talent, Mertz ne pourra jamais vivre de ses concerts.

En 1846, suite à une névralgie faciale, un médecin lui prescrit de la strychnine. Joséphine lui administre toute la quantité en une seule fois, avec pour conséquence un empoisonnement dont l'issue faillit être fatale. Lorsqu'il peut enfin reprendre ses activités, la révolution hongroise de mars 1848 avait éloigné une bonne partie des élèves et du public, ce qui complique la situation financière et artistique du couple.

Mais les circonstances s'améliorent et les activités reprennent ; Mertz et sa femme joueront pour de nobles parterres et même pour la famille impériale à Salzbourg en 1855. 

Malheureusement à partir de 1855, la santé de Mertz décline fortement. Comme Chopin, il est atteint de la tuberculose. Une cure près du Danube pendant l'été 1856 n'améliorera guère son état. Joséphine évoque dans ses souvenirs un concert que le guitariste aurait eu de la peine à conclure. De plus, au retour, le bateau est bloqué sur un banc de sable et les passagers passeront une nuit dehors dans l'attente des secours.

Arrivé à Vienne, le médecin décèle un endurcissement du foie, probablement consécutif à son empoisonnement de 1846 et des problèmes cardiaques en plus de sa tuberculose. Son agonie, dont Joséphine ne dit rien, durera un mois et Caspar Joseph Mertz mourra le 14 octobre 1856.

Cette année là, le diplomate russe Nikolaj Petrovic Makarov, guitariste amateur organise à Bruxelles un concours de composition pour guitare. On a longtemps cru que Napoléon Coste en avait été le vainqueur avec sa Grande Sérénade op.30, mais il est désormais établi que c'est le Concertino de Mertz (parmi les quatre compositions qu'il avait envoyées) qui a été couronné. La décision datant du 10 octobre, la nouvelle de cette victoire ne parvint à Joséphine que deux jours après le décès de son mari.

Près de cinquante ans plus tard, après avoir tenté de réhabiliter sa mémoire en publiant ses souvenirs, Joséphine Plantyn, meurt le 5 août 1903. Elle avait auparavant cédé tout l'héritage de son époux, instruments et manuscrits.

Après une brillante carrière de concertiste et de compositeur menée à travers toute l'Europe, il revient en Espagne en 1881 et s'installe à Barcelone pour y mener une vie retirée toute entière consacrée à son instrument. Parmi ses élèves les plus célèbres il faut citer Miguel Llobet, Emilio Pujol et Daniel Fortea. Il est mort d'apoplexie le 5 décembre 1909.

Tárrega contribua au développement de la guitare de deux façons. D'abord il redéfinit la technique du guitariste – action des doigts, manière de s'asseoir, position du corps –, ensuite il en élargit considérablement le répertoire en transcrivant pour guitare nombre de pièces classiques ou de compositeurs espagnols. On raconte que, entendant la transcription de Tárrega d'une de ses œuvres pour piano, Isaac Albeniz aurait préféré la version pour guitare. En plus d'Albeniz, Tarrega transcrivit des œuvres de Granados, Schumann, Chopin, Beethoven, Bach et beaucoup d'autres. Tarrega composa aussi beaucoup de pièces originales pour guitare, et sa virtuosité était telle que ces pièces sont souvent un défi pour le guitariste comme pour son instrument.

Comme beaucoup de compositeurs espagnols de cette époque, Tárrega enracine profondément son œuvre dans les rythmes et les danses du folklore traditionnel. Ses pièces font preuve d'une tendresse et d'une expressivité rarement égalées. Les plus connues sont Tango, Capricho Arabe, La Alborada, Marieta, ses 15 Préludes (écrits seulement 15 jours avant sa mort) parmi lesquels Lagrima, Endecha et Oremus et par dessus tout le "tube" de la guitare classique, l'immortel Recuerdos de la Alhambra.

En 1830, le jeune Napoléon Coste monte à Paris, où se trouve la fine fleur des guitaristes de l'époque. Il y rencontre Aguado, Carcassi, Carulli et bien sûr le plus éminent, Fernando Sor, qui devient son professeur. En 1838 le professeur et l'élève se produiront ensemble à l'occasion du dernier concert de Sor et récoltent un vif succès.

Après la mort de Sor et de Giuliani, l'attrait du public pour la guitare faiblit, et Coste se retrouve dans l'obligation de publier lui-même ses œuvres. 

Pour relancer l'intérêt de la guitare, le diplomate russe et guitariste amateur Nikolaj Petrovic Makarov organise à Bruxelles un concours de composition pour guitare, auquel Napoléon Coste se classe second derrière Mertz.

En 1863 Coste est victime d'un accident et se casse le bras droit, ce qui met fin prématurément à sa carrière de soliste. Engagé comme fonctionnaire, il continuera à enseigner la guitare et à composer.

A sa mort en 1883, il laisse derrière lui 53 œuvres répertoriées, plusieurs compositions sans n° d'opus et une version revue et corrigée de la Méthode de Sor, adaptée à la guitare à sept cordes, son instrument favori.

Il est le véritable héritier de Sor. Ayant perfectionné avec lui sa science de l'harmonie et du contrepoint, il fera encore progresser la guitare aussi bien dans la technique instrumentale que dans le répertoire. Il est certainement le guitariste et compositeur le plus en vue en France dans la deuxième partie du 19^ème siècle.

Il est aussi un des premiers guitaristes à avoir transcrit en notation moderne la musique du 17^ème siècle, ce qui provoquera un nouvel engouement pour la guitare et pour les partitions de l'époque baroque.

Contrairement à Sor, Aguado jouait de la guitare avec les ongles ce qui donnait au premier un jeu tout en finesse et en douceur, et au second un jeu brillant, sonore et virtuose*.

Aguado est principalement connu pour sa méthode Método de Guitarra dont la dernière édition de 1843 est toujours utilisée de nos jours et est véritablement un précurseur de toutes les méthodes publiées au 20^ème siècle. Il a aussi composé un grand nombre d'études et de pièces pour guitare solo comme Andante & Rondo en La mineur ou le Menuet Affandangado (Menuet sur un rythme de Fandango).

Aguado est mort à Madrid le 20 décembre 1849.

*Il faut noter qu'aujourd'hui tous les guitaristes jouent avec les ongles NDLR

Il est né à Mattsee (près de Salzburg) le 5 septembre 1781. Après avoir reçu de son père ses premières leçons de musique, il devint en 1790 petit chanteur de la chapelle de Salzbourg. Joseph Haydn le remarqua et le prit comme élève. De 1794 à 1797, il fréquenta l'université de Salzbourg. On pense que vers 1798, poussé par une vocation religieuse, il entra au monastère de Railtenhalach.

On le retrouve cependant à Vienne en 1802. Il y exerce comme professeur de guitare et de piano, comme compositeur et comme éditeur de musique. Il est très habile pour sentir la mode musicale, et pour répondre aux attentes des mélomanes. Il est le premier éditeur de Franz Schubert. Diabelli est l'auteur d'une célèbre valse sur laquelle Beethoven a composé 33 variations (opus 120), de nombreuses pièces pour piano (à deux et quatre mains) et pour guitare.

Il est mort à Vienne le 7 avril 1858.

Ce traité en trois volumes est riche d'enseignements sur la manière d'improviser et d'interpréter en utilisant les deux manières de jouer : rasgueado (en accords "grattés") et punteado (en notes pincées). Il comprend de nombreuses danses et autres pièces savantes. D'après les tablatures on sait que sa guitare comptait cinq cordes accordées LA RÉ SOL SI MI.

Gaspar SANZ est sans doute le plus grand théoricien de la guitare au 17^ème siècle, et un acteur très important de la musique baroque en Espagne. Il ne domine pas seulement son siècle : il restera au siècle suivant la référence de tous les traités et de toutes les publications musicales grâce au nombre et à la qualité de ses œuvres. 

Les guitaristes Emilio PUJOL et Narcisso YEPES ont transcrit pour la guitare moderne de nombreuses pièces de Gaspar SANZ, notamment Españoleta, Fanfare de la Cavalerie de Naples, Danza de la Hachas, Canarios, des Pavanes et Pasacailles, etc…

Joaquín RODRIGO a utilisé plusieurs thèmes de SANZ comme matériel thématique de sa Fantaisie pour un Gentilhomme pour guitare et orchestre.

* Le titre complet est : " instruction de musique sur la guitare espagnole et méthode de ses premiers rudiments jusqu'à jouer avec adresse la variété ingénieuse de deux labyrinthes de sons, les danses en rasgueado et en punteado, dans le style espagnol, italien français et anglais, avec un bref traité pour accompagner à la perfection la partie principale pour la guitare, la harpe et l'orgue, récapitulant les principes du contrepoint et de la composition en douze règles avec des exemples, dédicacé au Serenissime Seigneur, Son Altesse Ivan, composé par le Licencié Gaspar Sanz aragonais natif de la ville de Calanda, Bachelier en Théologie de l'insigne Université de Salamanque."

La musique de José Ferrer nous révèle un vrai talent de mélodiste. Ses compositions (une centaine à peu près) présentent peu de difficultés techniques et sont de caractère résolument romantique.

Parmi une centaine d'œuvres et d'exercices, deux ou trois pièces bienvenues pour les débutants et El Delirio, brillante pièce de concert, sont encore souvent jouées aujourd'hui.

Célèbre luthiste et compositeur d'origine anglaise (ou irlandaise), John Dowland est probablement né à Londres en 1563.
On sait fort peu de chose sur ses origines et ses débuts de musicien. Adolescent, il aurait été domestique à l'ambassade d'Angleterre auprès de la cour de France et il aurait passé plus de quatre années en France entre 1580 et 1586. Ce séjour dût avoir une grande influence sur son statut social, et orienter sa carrière de musicien. Il se serait convertit au catholicisme au contact d'émigrés anglais réfugiés en France.
En 1588, de retour au pays, il se marie et obtient de diplôme de "Bachelor of Music".
Malgré son talent il ne parvint pas, peut-être parce qu'il était catholique, à obtenir un emploi à la cour de la reine, la grande Élisabeth I^ère. Il partit tenter sa chance à l'étranger, en Allemagne et en Italie. On le retrouve en 1598 à la cour du roi Christian IV du Danemark. En 1606 pour cause de dettes, il fut forcé de quitter ce poste et de rentrer en Angleterre. Finalement, en 1612, il obtint ce poste tant désiré de luthiste du Roi (Jacques I^er).
John Dowland, " Doctor of Music ", fut enterré à l'église Ste Anne à Blackfriars le 20 février1626.

John Dowland est une figure majeure de la période élisabéthaine, et un des plus grands compositeurs de chansons de tous les temps.
Son œuvre comprend principalement 3 recueils d'airs (Booke of songs) publiés en 1597, en 1600 et en 1603. Il nous a laissé plus de 80 chansons. Il a composé pour le luth des fantaisies et des airs de danse (pavanes, gaillardes, allemandes et gigues). Son œuvre sans doute la plus célèbre est Lachrimae ou Sept Larmes pour 5 violes, violons ou luths.
Tout l'œuvre de Dowland pour le luth est accessible aux guitaristes grâce aux transcriptions, aussi bien les chansons accompagnées (Flow my tears, Come again, Awake sweet love,…) que les œuvres pour le luth seul (Fantasias, Melancholy Gaillard, The king of Denmark's Galliard, Queen Elizabet's Galliard…).

De Robert de Visée nous sont parvenus deux recueils : Livre di guittarre dédié au roy (Paris 1682) et Livre de piéces pour la guittarre (Paris 1686). Chacun d'eux comprend des suites et un grand nombre de danses.

Visitez le musée pictural de la guitare
http://museedelaguitare.free.fr/index.php